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“Mi nombre ante el espejo”, poesía.

Mundo libre

Mi nombre ante el espejo

MinombreanteelespejoPrefiero vivir en Babel. La ciudad

sin palabras

donde el hombre no esconde detrás de las miradas

ni conceptos

ni sentimientos. Prefiero Babel,

la casa naranja encantada

donde nunca vivieron

los conceptos de ‘ser’ o ‘nada’.

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Rembrandt y el retrato en Ámsterdam en el Museo Thyssen-Bornemisza

Del 18 de febrero al 24 de mayo de 2020 el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza expone “Rembrandt y el retrato en Ámsterdam, 1590-1670”

Rembrandt es, sin duda, el pintor holandés más importante del siglo XVII. Mientras que la mayoría de artistas de su época se especializaron en un género concreto, él sobresalió en numerosos campos, y no solo como pintor, también como dibujante y grabador. El género del retrato fue uno de ellos y, a pesar de haber alcanzado al igual que en los otros el máximo nivel, nunca hasta ahora se había dedicado una exposición en exclusiva a su faceta como retratista.

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta Rembrandt y el retrato en Ámsterdam 1590-1670, que reúne una selección de retratos realizados durante su «siglo de oro», con la figura y la obra de Rembrandt como eje central. Una excepcional selección de casi un centenar de pinturas y grabados que incluye algunos de los mejores ejemplos, tanto de Rembrandt -22 en total- como de otros artistas de la época, para mostrar la gran variedad y extraordinaria calidad de su trabajo.

La muestra está comisariada por Norbert E. Middelkoop y cuenta con la colaboración de la Comunidad de Madrid y el apoyo de JTI. La exposición mostrará 97 (80 pinturas, 16 grabados y 1 plancha de grabado), entre las que 63 obras tienen una garantía del Estado que asciende a 437.427.663,89 euros. Las obras proceden de museos y colecciones de todo el mundo, con préstamos destacados del Amsterdam Museum, el Rijksmuseum de Ámsterdam, el Metropolitan de Nueva York, la National Gallery de Washington y The National Gallery de Londres, buena parte de ellos nunca antes vistos en España y, en algún caso, que dejan su museo prácticamente por primera vez, como el retrato de un joven procedente del Nelson Atkins Museum de Kansas. Destaca también el conjunto de grabados procedentes de la Biblioteca Nacional de España.

Como otros retratistas en Ámsterdam, Rembrandt estuvo condicionado por un mercado sujeto a las leyes de la oferta y la demanda pero, a diferencia de los otros artistas, él no dejó que la opinión de sus clientes o de sus colegas pintores interfiriera con su propio arte no convencional. Presentar su obra en esta exposición junto a la de sus contemporáneos, a la luz de sus también extraordinarios logros, permite apreciar en su justo valor la verdadera aportación de Rembrandt al arte del retrato. Igualmente, cabe destacar que tanto la muestra como el catálogo que la acompaña recogen el resultado de investigaciones recientes que han arrojado nueva luz sobre el desarrollo del retrato en Ámsterdam y, en concreto, sobre la obra de Rembrandt.

La renovación de un género
Desde sus inicios en Ámsterdam a principios de la década de 1630, Rembrandt dio a sus modelos una libertad de movimiento poco usual. Como Frans Hals en Haarlem, Rembrandt abrió en Ámsterdam nuevos caminos, inmortalizando a sus clientes en poses dinámicas que sugerían interacción con el espectador e incorporando al género del retrato aspectos que había desarrollado ya en sus escenas mitológicas, religiosas o de historia, como las cualidades narrativas, el uso del claroscuro o la representación de las emociones humanas. A lo largo de los años se fue centrando cada vez más en los rasgos esenciales de sus modelos, en especial en los rostros. Sus pinceladas enérgicas y, especialmente en su última época, cargadas de materia pictórica han llevado a especular sobre los objetivos artísticos del pintor, que parecía estar más interesado en la representación de caracteres que en el parecido físico del retratado. En esta misteriosa cualidad radica el secreto de la atracción que ejercen hoy en día sus retratos, incluso 350 años más tarde, sobre el público que los observa.

Una variada clientela
Pero Rembrandt no estaba solo ni era un genio aislado. En Ámsterdam había un nutrido grupo de retratistas que respondía a una alta demanda del mercado. Su talento pudo florecer gracias al auge de la economía holandesa, que enriqueció a muchas personas: antiguas familias de la ciudad, hábiles inmigrantes de otras localidades o países y, por supuesto, a la propia ciudad. Sus habitantes necesitaban viviendas adecuadas y las organizaciones cívicas, lugares de reunión representativos. De esta manera, los retratos se convirtieron en una necesidad para cualquiera que dispusiera de suficiente espacio en la pared y anhelara ser recordado.

En ellos aparecen matrimonios, artesanos trabajando, niños, eruditos, hombres de negocios de éxito y, por supuesto, los propios pintores. Un lugar especial lo ocupan los espectaculares retratos de grupo: familias, gobernantes -tanto hombres como mujeres-, miembros de la guardia cívica, cirujanos impartiendo su lección de anatomía… Todos ellos, en su conjunto, ofrecen la panorámica de una sociedad en la que los retratos servían como recuerdos de la virtud cívica y eran motivo de orgullo personal.

Antes de que Rembrandt irrumpiera en la escena artística de Ámsterdam, pintores de la talla de Cornelis Ketel, Cornelis van der Voort, Werner van den Valckert, Nicolaes Eliasz. Pickenoy y Thomas de Keyser fueron los primeros en beneficiarse de la creciente demanda de retratos que existió entre 1590 y 1630. Cuando Rembrandt fue invitado a la ciudad por el pintor y marchante Hendrick Uylenburgh, cuyo estudio de pintura dirigió hasta 1636, el joven artista de Leiden se convirtió en un competidor de peso. Bien relacionado, Uylenburgh le introdujo en los círculos sociales de la ciudad, lo que sin duda le permitió entrar en contacto con nuevos clientes y mecenas. Su matrimonio con Saskia Uylenburgh, hemana del marchante, en 1634, supuso igualmente un importante ascenso en la escala social. En mayo de 1635 la pareja dejó el taller de Uylenburgh para ocupar una casa alquilada, donde el artista estableció su propio estudio.

Rembrandt seguía experimentando y practicando con varios géneros y mostrando una gran diversidad de estilos. Fueron años de prosperidad económica que le permitieron comprar en 1639 una vivienda definitiva, actualmente sede del museo Rembrandthuis.

Rembrandt y sus rivales
Al mismo tiempo, otros pintores llegaban a Ámsterdam con la ambición de beneficiarse de la insaciable demanda de retratos: Bartholomeus van der Helst desde Haarlem, Jacob Backer desde Frisia, Joachim von Sandrart y Jürgen Ovens desde Alemania. Incluso Frans Hals tenía clientes de Ámsterdam, aunque nunca se trasladó a vivir a la ciudad. De los muchos alumnos y colaboradores de Rembrandt, algunos llegaron a ser también retratistas de éxito, como Ferdinand Bol, Gerbrand van den Eeckhout y Govert Flinck, quien le sucedería en el estudio de Uylenburgh. En este caldo de cultivo se desarrolló un ambiente de sana competencia artística entre los maestros, ansiosos por lograr el mayor número de encargos, lo que se traduciría en una altísima y constante calidad de las obras.

En 1642 fallece Saskia, dejando a Rembrandt solo a cargo de su hijo Tito, de apenas un año de edad. Fueron momentos difíciles para el pintor, su ritmo de trabajo se ralentiza y empieza a atravesar dificultades financieras. En 1647 ingresa al servicio de la casa Hendrickje Stoffels, que acabó convirtiéndose en su compañera y madre de su hija Cornelia, nacida en 1654.

En aquellos años, hacia la mitad del siglo, las cosas habían empezado a cambiar en el panorama artístico de la ciudad y surgieron precursores de un estilo «académico» con una orientación más internacional en los retratos, como Cornelis Jonson van Ceulen e Isaac Luttichuys. Rembrandt, no obstante, siguió su propio camino, reduciendo los colores de su paleta y desarrollando un estilo que los funcionarios consideraban demasiado adusto y, por tanto, inapropiado para el programa de decoración del nuevo Ayuntamiento de la plaza Dam.

Algunos de sus antiguos colaboradores, como Flinck o Bol, recibieron el encargo para la ornamentación de varias salas, superando por entonces en éxito y en popularidad al maestro.

Las dificultades financieras por las que Rembrandt atravesó en aquellos años le llevaron a la venta de su colección de pinturas y objetos valiosos en subasta pública, tras declararse insolvente en 1656, tema aún en proceso de estudio por los especialistas.

La familia se trasladó a vivir al distrito de Jordaan, un barrio de clase trabajadora y, junto a su hijo Tito y Hendrickje, creó una nueva empresa artística que le permitiera seguir trabajando de manera independiente.

Rembrandt continuó pintando y recibiendo diversos encargos y, aunque no tuviera el éxito de décadas anteriores, siguió siendo una figura importante y reconocida. Su influencia en el arte de su tiempo fue inmensa, con numerosos discípulos a los que enseñó su manera de pintar e incontables seguidores que perpetuaron posteriormente su estilo.

Recorrido cronológico, tronies y grabados
El recorrido de la exposición sigue un orden cronológico a lo largo de nueve capítulos. Las primeras salas están dedicadas a la tradición del retrato inmediatamente anterior a la llegada de Rembrandt a Ámsterdam y el inicio de la renovación del género.

Les sigue un espacio centrado en sus comienzos como retratista y varias salas cronológicas que presentan a ‘Rembrandt y sus rivales’, para terminar en ‘Los años finales’ con obras de entre 1660 y 1670. A mitad del recorrido hay un espacio dedicado a los retratos de género y de pequeña escala, y se reserva un último capítulo a su trabajo como grabador, con una destacada selección de retratos privados y autorretratos.

Debemos señalar, igualmente, la presencia a lo largo de los distintos capítulos, en función de su cronología, de magníficos ejemplos de los denominados tronies (del holandés tronie, que significa ‘rostro’), un tipo de retrato específico holandés en el que no se representa a una persona en concreto, sino el busto de un personaje con determinadas poses o expresiones faciales y la figura generalmente viste ropajes exóticos o llamativos. Estas obras servían para estudiar no solo la expresividad de los rostros, sino también la composición y la luz. Finalmente, una de las obras de la exposición, un gran retrato colectivo de una guardia cívica, realizado por Frans Badens, por sus grandes dimensiones (186 x 362 cm), se expone en el hall de entrada al museo.

Datos de interés:
Rembrandt y el retrato en Ámsterdam, 1590-1670
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza (Paseo del Prado, 8. 28014, Madrid. Salas de exposiciones temporales, planta baja)
Número de obras: 97 (80 pinturas, 16 grabados y 1 plancha de grabado)
Fechas: Del 18 de febrero al 24 de mayo de 2020.
Horario: De martes a viernes y domingos, de 10 a 19 horas; sábados, de 10 a 21 horas.
Tarifas: Entrada única: Colección permanente y exposiciones temporales:
– General: 13 € ; Reducida: 9 € para mayores de 65 años, pensionistas y estudiantes previa acreditación; Grupos (a partir de 7): 11 € por persona
– Gratuita: menores de 18 años, ciudadanos en situación legal de desempleo, personas con discapacidad, familias numerosas, personal docente en activo y titulares del Carné Joven y Carné Joven Europeo.
Venta Entradas: anticipada de entradas en taquillas, en la web del Museo y en el 91 791 13 70
Audio-guía, disponible en varios idiomas
Más información: www.museothyssen.org
Con la colaboración de la Comunidad de Madrid y con el apoyo de JTI
Comisario: Norbert Middelkoop, Conservador del Amsterdam Museum
Comisaria técnica: Dolores Delgado Peña, Conservadora de Pintura Antigua del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza
Publicaciones: Catálogo con textos de Norbert E. Middelkoop, Dolores Delgado, Maerten Hell, Rudi Ekkart, Claire van den Donk y otros autores. Guía didáctica.

 

Relato y conflicto. Por Belén Gopegui y David Becerra Mayor

Un debate entre escritora e investigador sobre narrativa y lucha de clases

Donne Novecento
Fotograma de la película ‘Novecento’

La escritora Belén Gopegui y David Becerra Mayor, investigador y profesor, autor de La guerra civil como moda literaria y director de la colección de ensayo de Hoja de Lata, mantuvieron esta charla -editada por cuestiones de espacio- en el III Congreso de la revista Catarsi magazín, celebrado en Barcelona el pasado mes de diciembre.

Belén Gopegui: Para Edward Palmer Thompson, la identidad de clase no viene dada. Se construye con el tiempo a través de experiencias laborales y de ocio compartidas y obviamente pero no necesariamente más importante su exclusión del bienestar material y la explotación por parte de las clases dirigentes. Esta es una idea que solemos compartir en contextos como este, donde damos importancia a la cultura, pero debo reconocer que cada vez tengo más dudas sobre esto. Cada vez me siento más identificada con una frase de Román García Alberte: «si vuelvo a escuchar la expresión de la batalla por el relato me tiraré por una ventana. No existe la batalla del relato, existe la batalla del dinero«. Creo que es bueno relativizar un poco esa batalla por el relato y el esfuerzo que se pone en que creamos que es tan importante. Hay algo que no es relato, que son los cuerpos, el dinero, el capital, la parte material de la existencia. Eso se junta con esos ocho mil millones de artículos sobre la desaparición de la clase obrera.

En una época en la que la clase es la principal ausente de los imaginarios culturales, ¿cómo retribuirle el sitio? Mi duda es si está algo peor que ausenteLa clase obrera no está ausente, es el sitio del que se quiere escapar. En Ama de José Ignacio Carnero se describe muy bien: «mi mundo eran los libros y las películas, quería vivir en ellos, ser como los actores sofisticados que beben cócteles y escuchan jazz, quería en el fondo dejar de parecerme a mi». Toni Morrison, en Jugando en la oscuridad, habla del tratamiento de la negritud en las novelas, pero también de la blanquitud, que no se trata porque no ha sido necesario, y creo que con la clase pasa algo parecido, existe una especie de «clasemediatud», que no se explicita y apunta que el ser humano es esoEn las novelas, si aparece alguien de clase obrera con un tratamiento medianamente complejo, ya parece que no es de clase obreraLa complejidad le ha sacado de ahí. En los orígenes la tragedia era de la clase alta y la comedia de la baja, y esa última solo podía prácticamente estornudar y tropezarse. Eso se fue recuperando, pero quedó una batalla sin dar: la de la racionalidad. Hemos llegado al día de hoy en que puede haber en novelas personajes de clase obrera muy emotivos, con una conciencia poderosa de su cuerpo, pero no tanto racionales.

David Becerra Mayor: En tu última novela, Quédate este día y esta noche conmigo, cuentas lo maravilloso que podría ser internet, que te permite tener acceso a todo, pero todo ese conocimiento tiene un dueño que es Google. Lo digo porque quería partir de una página: Google Books. Hay una herramienta allí, Ngram Viewer, que permite ver cuántas veces aparece una palabra en todas las obras registradas. Si pones «clase obrera», «proletariado», «comunismo» o «revolución», solo en el siglo XX, ves una línea creciente hasta la crisis de los años setenta, cuando empieza a caer en picado. El sueño de la revolución ha desaparecido y la clase obrera ha dejado de ser representada. ¿Cómo volver a representarla en la literatura? Enzo Traverso cuenta en Melancolía de izquierda que la caída del muro de Berlín hizo que el comunismo como utopía realizable desapareciera y con él todo ese repertorio de imágenes, símbolos o ideas. Creo que de nada nos sirve contentarnos con novelas o películas donde aparezcan obreros. Un obrero no es clase obrera, esta no existe en sí misma, sino construyéndose, reconociéndose en el conflicto y en qué lugar ocupa en él.

Tenemos ejemplos de representaciones de obreros ignorantes, malhablados, blancos, machistas, pero eso no es clase obrera, no lo será hasta que ese individuo tome conciencia del lugar que ocupa en la explotación. Hay que recuperar la clase no describiéndola, sino narrándola en la lucha. También hay estereotipos positivos, que también son estereotipos, como el obrero que quiere trabajar y sacar adelante a su familia, un poco como en la película Los lunes al sol. Dos obreros en situación de perenne lamento porque han perdido el trabajo: eso no me sirve para narrar la clase obrera porque solo es objeto de compasiónHay que convertir eso en sujeto de revueltaDe lo contrario, solo tendremos un melodrama. Ese sería el objetivo de una literatura obrera, proletaria, el mínimo que deberían tener las novelas que quieran definirse como políticas con tema obrero. La clase no es solo lo que encontramos en la fábrica, sino lo que se constituye luchando contra la fábrica.

BG: Es el dilema clásico de la clase en sí o para sí. Tiene que ver con la racionalidad. Si te preguntas si eres clase obrera eso te va a llevar al conflicto. Aunque ya sabemos que las preguntas en solitario no funcionan: es necesaria una cierta organización para que la racionalidad se ponga a funcionar. Sería interesante coger un periodo de la literatura y hacer un censo de personajes, y ver qué pirámide de población nos daríaCreo que saldría un mundo en el que habría un 85% de escritores, unas cuantas personas de clase media alta y muy pocos electricistas. Por supuesto, las mujeres serían o amantes o nada. Aunque es verdad que no sirva de nada tener obreros en las novelas, prefiero eso que nada. Aunque sea por contraste. Por otra parte, si alguien decide meter en su novela a un sindicalista y se limita a sacarle fumando Ducados, entonces es que es un mal novelista. Alfonso Sastre decía que el peligro de los estereotipos es que nos dejan indefensos. Contaba que si tú tienes en tu cabeza el estereotipo de un bandolero que va con el pañuelo en la cara, en un caballo negro, y tú vas en una diligencia, piensas que ese es el que te va a atracar. Pero es el cura que va dentro de la diligencia quien de debajo de la sotana saca una pistola y te atraca. Solo te protegías del bandolero de fuera. Las narraciones que fomentan estereotipos nos dejan más indefensos y nos encierran en la idea de que no se puede hacer nada.

DBM: Representar siempre significa hablar por la voz de otro. Toda representación va a ser una apropiación de un espacio que ocupas porque otro no puede ocuparlo. Quizá deberíamos pasar de la literatura como representación a la literatura como producción. La primera entiende que hay un autor legitimado como tal que cuenta las vidas de otros, mientras que en la segunda problematiza su posición como autor: ¿por qué hablo yo y no ellos, por qué la literatura es un asunto de gente con cierta «aura» y formación y no es un discurso que pueda emplear gente que normalmente no tiene acceso a la producción literaria? Ya el problema no sería que los obreros están estereotipados, sino que ellos mismos se presentarían. Aquí en los años treinta se trató de hacer, pero esa literatura revolucionaria hoy no existe. Podemos recitar a García Lorca, pero nos han robado la tradición de la novela política obrera que puso en cuestión la noción de autor. Que trató de hacer novelas-reportaje. El autor daba un paso atrás para que los protagonistas contaran la historia. Quizá no es cómo «los» escribimos, sino qué hacer para que ellos escriban.

BG: Yo he defendido esa idea de colectivos productores, pero creo que no es la solución definitiva, recuerdo aquello de Chirbes de que la buena letra es el disfraz de las mentiras. A lo mejor hay que ser más modestos, como esa viñeta en que dos secretarias salen del cine y le dice una a la otra que el problema de la vida es que no tiene música de fondo. A lo mejor la novela lo único que tiene que aportar es esa música de fondo. Basta con que sea una música de fondo que no sea barata, indigna o fomente las peores pasiones.

DBM: Hay que mostrar lo que queda fuera del foco. A esa persona que vive en precario y también lo que explica por qué vive en esas condiciones. Solo así ese sujeto se convierte en clase. Estoy de acuerdo contigo en que a lo mejor la literatura en cierta manera funciona como un corsé contra toda posibilidad emancipatoria. ¿Cómo vamos a hacer la revolución desde un formato de discurso vertical? A lo mejor no es posible. Decía Benjamin que no siempre ha habido novelas y que no siempre tiene que haberlas. Quizá cuando hagamos la revolución no haremos novelas, sino otra cosa más interesante para contribuir a ella.

BGTodo indica que la literatura no puede ser el detonante que ponga en marcha una tensión, sino acompañarla cuando esta se produzca. No significa que haya rendirse. Aunque solo sea por la rabia que les da. Traía una crítica de mi última novela que decía «… es una pena que tras esas reflexiones de calado se mezcle esa vieja tendencia suya a comentar todo desde un lado militante, de forma que cuando sale en la novela una chica empleada en una pizzería, antes de concebirla como personaje individual, discursea sobre las horas que lleva explotada y su jornada laboral». O sea, cuando construyes el personaje, ¿las horas que pasa en su lugar de trabajo no le construyen como personaje? ¿Le construye más que tenía el mentón muy pronunciado o que le gustaría tener cinco piscinas?

DBM: Hay una novela tuya, El padre de Blancanieves, que empieza con un trabajador ecuatoriano de un supermercado que tiene que entregar la compra a una mujer en su casa. Por un error, los congelados se derriten, la persona hace una queja, al trabajador le despiden y eso desencadena la trama. Es de las pocas novelas españolas relativamente recientes en que aparece un ecuatoriano. Es el migrante que llegó en la crisis de lo que Rafael Correa llamaba la larga noche neoliberal, una gran cantidad llega a España. Es una de las mayores poblaciones migrantes aquí y no aparecen en las novelas. Es sintomático: la clase obrera no aparece pero mucho menos si está racializada o es migrante. Salvo esa novela, otra de Ovejero y pocas más, los ecuatorianos no aparecían como personaje que desencadene la trama, solo como sombras que retiran un plato o barren una esquina. Algunos otros buenos ejemplos son Made in Spain de Javier Mestre, la mejor novela sobre la deslocalización de empresas en España. Sucede en una fábrica de zapatos del Pais Valencià. Es una novela trágica porque el capitalismo solo funciona sin humanidad y al margen de la ley. También destaco La mano invisible de Isaac Rosa, que habla de la falta de sentido del trabajo y la alienación, y Animales domésticos de Marta Sanz, sobre obreros que se creen clase media. Ella siempre cuenta con orgullo que cuando la publicó Chirbes la llamó y le dijo que hacía tiempo que no leía una novela protagonizada por obreros.

BG: Yo quería citar Listas, guapas, limpias de Anna Pacheco y Ama de José Ignacio Carnero. No entran en el concepto de clase para sí pero sí tienen la virtud de explicitar la clase como algo que existe y que genera conflicto y un posible rencor. Es curioso que son dos novelas muy próximas a la autoficción y me pregunto por qué ocurre eso. Otra es Panfleto para seguir viviendo, de Fernando Díaz. Hay un momento en que el narrador dice «se supone que si estoy aquí es por haber demostrado que me importa ser un escritor, por haber demostrado que puede haber escupitajos bellos, pero a mí la literatura me la suda, a mi lo que me importa es producir un efecto». También recomendaría una antología de poesía llamada Insumisas. Y Cemento, de Fiodor Gladkov. Compré con muchísima fe La noche de los proletarios de Rancière pensando que era otra cosa. El título alude a que los proletarios solo tienen la noche para existir, y si existen no duermen y si no se mueren. Entonces, ¿cuándo van a escribir las novelas los proletarios, por la noche? ¿A costa de qué? Es la parte material del dilema que es importante. A lo mejor hay que crear una organización que nos libere por turnos para hacer capítulos.

DBM: Es que además Rancière dice que escriben en, de y sobre la noche, del tiempo de no explotación, es decir, que lo verdaderamente revolucionario es que escriban como los poetas burgueses porque así se igualan. Me parece un argumento que creo que ha triunfado muchísimo pero, ostras, difícil de encajar. Él considera que no es literatura aquella que habla de la explotación.

BG: Claro, pero lo que quieres es irte de tu clase, no que cuando sales de trabajar te tengas que poner encima a hacer novelas sobre los pasillos de Ikea.

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Programa de exposiciones 2020 en el Museo Reina Sofía

Piet Mondrian (1872-1944) Composición con rojo, negro, amarillo y gris, 1921. Óleo sobre lienzo, 39,5 x35 cm. Kunstmuseum Den Haag

La programación 2020 del Museo Reina Sofía ofrece un amplio abanico de exposiciones entre las que cabe destacar las dedicadas a Mondrian y De Stijl, que contará con una gran cantidad de pinturas que permitirán recrear las exposiciones más importantes concebidas por Piet Mondrian; También podremos ver una exposición de Concha Jerez, Premio Velázquez de Artes Plásticas 2017, cuya retrospectiva “Que nos roban la memoria” exhibirá sus trabajos desde los años setenta a la actualidad. También destaca la muestra “Trilogía marroquí. Arte y cultura en Marruecos”, que nos acercará al arte y la cultura de este país desde 1956 hasta comienzos del siglo XXI.

Se desarrollarán otras interesantes propuestas como una antológica de León Ferrari, que coincidirá con la importante donación que realizará la familia del artista al Museo, y que reúne por primera vez en Europa obra inédita junto a su producción más emblemática coincidiendo con el centenario de su nacimiento. Además el Museo ofrecerá a lo largo de 2020 un variado programa de actividades, conferencias, cine, danza, etc. (ver)

Disonata. Arte sonoro. Isidore Isou. La plastique parlante , La plástica parlante, 1960-1987. Magnetófono intervenido. 19x40x34 cm. Colección Fabre. Exposición Museo Reina Sofía.

Exposiciones 2020

– Disonata. Arte en sonido hasta 1980 (21 de abril de 2020 – 12 de octubre de 2020)
Comisariada por Maike Aden, sobre un proyecto original de Guy Schraenen, esta exposición analiza el desarrollo del sonido como campo creativo de las artes visuales diferenciado de la música, desde principios hasta finales del siglo XX. La muestra plasma los esfuerzos de artistas que recurrieron al sonido más allá de su uso tradicional en manifestaciones como la música, la poesía o el teatro.
A manera de introducción la exposición incluye referencias a las vanguardias históricas; concretamente al futurismo, el dadaísmo y el cine ruso, deteniéndose en obras pioneras de la permeabilidad de los medios, como es el caso de Relâche, Erik Satie, Francis Picabia y René Clair, así como en los experimentos futuristas. La muestra incluye una serie de piezas sonoras y materiales diversos, que van desde dibujos y partituras a esculturas, películas y fotografías.

– Concha Jerez. Que nos roban la memoria (28 de abril de 2020 – 21 de septiembre de 2020)
La artista Concha Jerez (Las Palmas de Gran Canaria, 1941), ganadora del Premio Velázquez de artes plásticas 2017, presenta esta retrospectiva comisariada por Joao Fernandes, que tiene como eje principal el tema de la Memoria, y que exhibe sus trabajos desde los años setenta a la actualidad a través de objetos, dibujos a partir de noticias de prensa, escritos ilegibles y vídeos.
La guerra civil y su represión posterior, la censura en la época de la transición, la reivindicación de los seres olvidados y anónimos -mujeres, emigrantes- o la relación entre la memoria y su represión, son algunos de los asuntos tratados en cuatro instalaciones que ocuparán otras tantas escaleras del antiguo Hospital, hoy reconvertido en Museo, y dialogan con su espacio y con su historia. Es la primera vez que una exposición utiliza esos cuatro espacios singulares y de gran belleza.

Concha Jerez. Exposición Museo Reina Sofía

– Mondrian y De Stijl (12 de mayo de 2020 – 14 de septiembre de 2020)
La exposición, organizada por el Museo Reina Sofía y el Kunstmuseum den Haag, contará con una significativa cantidad de pinturas que permitirán recrear las exposiciones más importantes concebidas por Piet Mondrian (Amersfoort, 1872 – Nueva York, 1944) de su propia obra.
La muestra incidirá en la evolución de Mondrian dentro del contexto más amplio de las luchas, los diálogos y los combates de De Stijl, el movimiento artístico que contribuyó a dar forma a la modernidad después de la Primera Guerra Mundial. Se pretende también arrojar luz sobre la lógica del trabajo del artista, en especial a partir de 1918. La exposición también pretende reflexionar sobre el rumbo que estaba tomando el arte y las disputas de De Stijl, e incluirá una amplia nómina de artistas plásticos contemporáneos de Mondrian como Gerrit Rietveld, Bart van der Leck, Theo van Doesburg, Cornelis Rienks de Boer, Georges Vantongerloo o Jacoba van Heemskerck, entre otros. La muestra está comisariada por el experto en Mondrian Hans Janssen.

– Audiosfera. Audio Experimental Social, Pre- y Post-Internet (26 de mayo de 2020 – 21 de septiembre de 2020)
A través de una selección de más de mil obras sonoras, esta exposición propone cubrir un vacío histórico y cultural en el reconocimiento y análisis de una parte esencial de los cambios recientes en la concepción artística del trabajo creativo con sonido.
Audiosfera no incluirá imágenes ni objetos, y se apoyará únicamente en las obras sonoras y en un diseño expositivo que facilitará la escucha a un nivel experiencial, profundo y prolongado.
La muestra recoge el trabajo de una gran cantidad de artistas sonoros experimentales originarios de todo el mundo y se articula en siete secciones cuyas obras se han agrupado en función de procesos sociales, tecnológicos, históricos y culturales generados colectivamente.

– Niño de Elche. Auto Sacramental Invisible. Una representación sonora a partir de Val del Omar (10 de junio de 2020 – 13 de diciembre de 2020)
El Museo Reina Sofía acogerá en junio la propuesta que el artista Niño de Elche ha concebido a partir del trabajo de José Val del Omar. El dispositivo original fue concebido en 1951 por Val del Omar con un elaborado guion que distribuye minuciosamente el sonido (voces, músicas, sonidos diversos…) a través de más de una decena de altavoces. Esta obra, prácticamente desconocida ya que sólo llegó a presentarse en el citado año 1951 de manera parcial y tentativa, configura una propuesta estética que anticipa las reflexiones que ya en los años sesenta del siglo XX propiciarían la expresión “arte sonoro”.
El Auto sacramental invisible: Una representación sonora a partir de Val del Omar incorpora componentes teatrales, musicales e instalaciones que, en la interpretación propuesta por Niño de Elche, generan una pluralidad de voces que se orientan simultáneamente hacia la España de 1951 que vio nacer la obra y hacia el 2020 en el que el Museo Reina Sofía acoge su presentación.

León Ferrari, 100 años, Museo Reina Sofía

– La bondadosa crueldad. León Ferrari, 100 años (28 de julio de 2020 – 2 de noviembre de 2020)
En el marco de la conmemoración del centenario del nacimiento del artista argentino León Ferrari (1920-2013), el Museo Reina Sofía, el Van Abbe Museum de Eindhoven y el Musée National d’Art Moderne Centre Pompidou en París, en colaboración con la Fundación Augusto y León Ferrari Arte y Acervo (FALFAA), organizan una antológica que reúne por primera vez en Europa, obra inédita del artista junto a su producción más conocida y emblemática.
En la exposición se podrá observar como el artista realiza una exploración utilizando el dibujo, la escritura, el collage y los medios de reproducción múltiple, todo ello para mostrar su visión crítica de la guerra o la religión. Esta muestra viajará a finales de 2020 a Holanda, y a mediados del año 2021 al Centro Pompidou de París.
En este contexto, y con el objeto de dejar en España un corpus artístico significativo de sus obras que ayude a contextualizar su trabajo en Europa, la familia de Ferrari tiene la intención de donar 15 obras del autor a la Fundación Museo Reina Sofía. Se trata de 11 trabajos en papel, una escultura, un libro de artista, un vídeo y documentación varia. Con este gesto la familia Ferrari pretende contribuir, a medio y largo plazo, a la investigación, conservación y difusión de su importante legado debido al carácter universal de la obra.

Arte cultura Marruecos. Yto Barrada. Lyautey Unit Blooks, Play, 2010. Madera pintada. dimensiones variables. The Metgropolitan Museum of Art, Nueva York. Hortense and William. A

– Trilogía marroquí. Arte y cultura en Marruecos, 1955-2010 (20 de octubre de 2020 – 8 de marzo de 2021)
En el último trimestre del año, el Reina Sofía presenta una gran exposición que propone un recorrido por el arte y la cultura marroquí desde los años de la declaración de independencia (1956) hasta los momentos previos a la Primavera Árabe (comienzos del siglo XXI). La muestra está organizada por el Museo Reina Sofía y el Museo Árabe de arte moderno.
La exposición se centra en tres grandes momentos: El primero abarca desde 1955 a 1970 y refleja los cambios culturales promovidos por la nueva situación política en ciudades como la nueva metrópoli de Casablanca; el segundo es a partir de 1971 y hasta 1999 (año de la muerte de Hassan II), que se produce una arabización de la vida cultural de Marruecos. Por último, en la década del 2000 al 2010 una generación de jóvenes artistas y activistas desarrolló un nuevo vocabulario que rompía con la práctica de los medios tradicionales.
La exposición incluirá una amplia nómina de creadores marroquíes entre los que encontramos artistas plásticos, escritores, músicos, cineastas y directores de escena que mostrarán sus obras en diferentes formatos, así como material de archivo inédito. Manuel Borja-Villel y Abdellah Karroum serán los comisarios de la muestra.

Anna-Eva Bergman. nº 28. 1962. Acrílico y lámina de metal sobre panel de madera. Per Amor A L´Art collection – Colección Por Amor al Arte

EXPOSICIONES en el Palacio de Velázquez. Parque del Retiro

– Anna-Eva Bergman. De norte a sur, ritmos (7 de mayo de 2020 – 27 de septiembre de 2020)
El Palacio de Velázquez acogerá a partir del mes de mayo una exposición dedicada a la artista sueca Anna-Eva Bergman (Estocolmo, 1909 – Grasse, Francia, 1987), que mostrará una selección de sus trabajos realizados entre 1962 y 1971, periodo en el que realizó una serie de viajes a España y Noruega que influyeron de manera notable en su producción artística
La exposición abordará los temas más recurrentes de su obra: un diálogo permanente entre Norte y Sur, el aspecto desértico y la luminosidad de los paisajes, los fiordos, los astros, las montañas, los barcos y los acantilados.

Vivian Suter. Instalación en la Documenta 14. 2017. Museo Reina Sofía, Palacio de Velázquez

– Vivian Suter (5 de noviembre de 2020 – 28 de marzo de 2021)
La artista Vivian Suter (Buenos Aires, 1949) será protagonista en el Palacio de Velázquez del Parque del Retiro a finales del año 2020. En 1983 establece su residencia permanente en plena selva guatemalteca, y allí, desde su estudio en Panajachel, su obra evoluciona hacia un intercambio cada vez más estrecho con el entorno natural, plasmado en lienzos coloristas y vívidos que se desprenden del marco.
Su trabajo se vuelve más orgánica y procesual, generando series pictóricas terminadas por el carácter azaroso de la naturaleza, que Suter expone con las marcas de los restos de las inclemencias meteorológicas. A partir de ese momento, la naturaleza intervendrá casi como coautora de sus obras. La artista empieza a experimentar también con cola de pescado en trabajos que transitan entre la introspección del interior de su estudio y el exterior, donde se impregnan del viento, la lluvia, el barro e incluso pequeños organismos del entorno selvático.

Petrit Halilaj, I’m hungry to keep you close. I want to find the words to resist but in the end there is a locked sphere. The funny thing is that you’re not here, nothing is, Pabelló

EXPOSICIONES en el Palacio de Cristal. Parque del Retiro

– Petrit Halilaj (2 de abril de 2020 – 6 de septiembre de 2010)
El artista Petrit Halilaj (Kostërrc, Skenderaj-Kosovo, 1986) presentará un proyecto específico para el Palacio de Cristal en la primavera de 2020. Los recuerdos infantiles, bañados por el drama, la guerra y su condición de refugiado constituyen una constante en el trabajo de este artista que recurre a sus memorias de la niñez para abordar temas como el hogar, la nación y la identidad cultural. Halilaj traslada todas sus vivencias personales a un lenguaje creativo que abarca dibujo, escultura, video e incluso escritura, y encuentra en ello un pretexto para incorporar materiales y objetos de su Kosovo natal, así como para integrar con frecuencia a su familia en el discurso creativo.
Petrit Halila fue el artista que representó a Kosovo en su primer pabellón en la 55 Bienal de Venecia (2013) y ha participado en la 57 Bienal de Venecia (programa internacional) así como en la 6 Bienal de Berlín (2010).

El proyecto de corredor ecológico del Suroeste tendrá su propia exposición

La muestra, que se inaugurará a finales de este mes, estará abierta al público durante los meses de enero, febrero y marzo

Redacción/. El grupo promotor del ‘Corredor Ecológico de los Arroyos y Retamares del Suroeste de Madrid’, presenta su exposición en la que se pone en valor las características medioambientales, naturales e históricas de este entorno repartido entre cinco municipios de la Comunidad de Madrid.

El proyecto de “corredor natural” se extiende desde Madrid hasta la cuenca media del río Guadarrama y pretende conectar más de 2.500 hectáreas de terreno sin urbanizar. Es un espacio con alto valor medioambiental que supone una de las zonas de mayor biodiversidad de la capital.

La inaguración tendrá lugar el próximo 25 de enero, sábado, a las 12h en el Centro de Información y Educación Ambiental ‘Casa de Campo’, situado en el Paseo del Embarcadero (Metro Lago, Línea 10). El horario para visitar la exposición durante los meses de enero, febrero y marzo de 2020 será de miércoles a domingo, de 10 a 14:30h y los viernes, sábados y domingos de 16 a 18:30h.

 

 

Comenzar el año contando aves acuáticas

SEO/Birdlife anima colaborar con el censo de aves acuáticas que tendrá lugar el segundo y tercer fin de semana de enero 

Redacción/. Los censos de aves acuáticas son una de las actividades de ciencia ciudadana que más personas movilizan en todo el mundo. Todos los años a mediados de enero se organiza en Censo Internacional de Aves Acuáticas Invernates, que facilita la cifra y la distribución de este grupo de aves con un detalle que permite identificar las áreas más importantes para su invernada, el tamaño de población de cada especie y como evolucionan.

Estos censos, realizados en España desde la década de 1950 permite ver, por ejemplo, cómo el cambio climático influye en el cambio de comportamiento de este tipo de aves y cómo dejan de realizar grandes desplazamientos. Con la app para móviles, en Android e IOS, Aves Acuáticas de SEO/BirdLife se pueden registrar los datos en directo en cada humedal y enviarlos a la base de datos de SEO/BirdLife para que sean compilados junto con todos los censos del resto de humedales de España.

También desde la aplicación móvil se pueden visualizar y ver cómo llegar a los humedales más próximos a la ubicación del observador y permite consultar todos los censos históricos de la mayoría de los humedales de España.

 

 

Fuente:

http://elguadarramista.com

Más importantes de lo que parecen.

 

https://www.clarin.com/viste/abejas-declaradas-vivo-importante-planeta_0_opbhP_ow.html?utm_medium=Social&utm_source=Facebook&fbclid=IwAR3xVhcrtEP4K2xuqNEIr8v8Y6PjppayLzYVK80XW8YObY-h3FJYnz67KVE#Echobox=1572826407

Las abejas fueron declaradas el ser vivo más importante del planeta

Los científicos dicen que son los seres más importantes del planeta, pero que están disminuyendo y eso llevaría a que el ser humano tendría que vivir sin flores, frutas y verduras.

Las abejas fueron declaradas el ser vivo más importante del planeta (AFP).

Los pesticidas y toda esa serie de hábitos perjudiciales que hemos ido adquiriendo durante décadas, empiezan a dar señales de que estamos destruyendo un ecosistema que funciona con la maquinaria de un reloj suizo para mantener un equilibrio vital.

Los científicos dicen que son los seres más importantes del planeta, pero que están disminuyendo y eso llevaría a que el ser humano tendría que vivir sin flores, frutas y verduras (AFP).

Los científicos dicen que son los seres más importantes del planeta, pero que están disminuyendo y eso llevaría a que el ser humano tendría que vivir sin flores, frutas y verduras (AFP).

Los científicos dicen que las abejas se han convertido en el animal más importante del planeta y, es tal la importancia, que aseguran que el futuro de la humanidad está en juego si las poblaciones de abejas continúan disminuyendo, lo que, desafortunadamente, se está convirtiendo en una realidad.

El Dr. George McGavin es un entomólogo, académico y explorador, que se ha dedicado más de 25 años a enseñar a estudiantes en Oxford que, ahora, están a la vanguardia de la conservación y el estudio de los comportamientos y los hábitos de los insectos.

Los pesticidas y toda esa serie de hábitos perjudiciales que hemos ido adquiriendo durante décadas, empiezan a dar señales de que estamos destruyendo un ecosistema que funciona con la maquinaria de un reloj suizo para mantener un equilibrio vital (EFE).

Los pesticidas y toda esa serie de hábitos perjudiciales que hemos ido adquiriendo durante décadas, empiezan a dar señales de que estamos destruyendo un ecosistema que funciona con la maquinaria de un reloj suizo para mantener un equilibrio vital (EFE).

Las abejas empiezan a encabezar las listas de animales en peligro de extinción porque, su población se está viendo disminuida a ritmos preocupantes en los últimos años, tan rápidamente, que no somos ni conscientes de la problemática que eso supone.

El Earthwatch Institute, una organización benéfica ambiental internacional con el objetivo de trabajar por el bien del planeta, declaró en la Royal Geographical Society que las abejas son, ahora, el ser vivo más importante del planeta.

El Dr. McGavin enfatiza la importancia de las abejas en el ecosistema global por su función polinizadora; él mismo explica, “La simbiosis crítica entre los insectos, especialmente las abejas y las plantas con flores ha creado una rica diversidad de vida en la Tierra“.

“Las abejas son esenciales para nuestra supervivencia, sin las abejas del mundo, tendríamos que cambiar nuestros hábitos alimenticios dramáticamente, tendríamos que vivir sin flores, sin frutas o sin verduras" (AFP).

“Las abejas son esenciales para nuestra supervivencia, sin las abejas del mundo, tendríamos que cambiar nuestros hábitos alimenticios dramáticamente, tendríamos que vivir sin flores, sin frutas o sin verduras” (AFP).

Y añade, “Las abejas son esenciales para nuestra supervivencia, sin las abejas del mundo, tendríamos que cambiar nuestros hábitos alimenticios dramáticamente, tendríamos que vivir sin flores, sin frutas o sin verduras“.

Las abejas empiezan a encabezar las listas de animales en peligro de extinción porque, su población se está viendo disminuida a ritmos preocupantes en los últimos años, tan rápidamente, que “no somos ni conscientes de la problemática que eso supone”

Las abejas empiezan a encabezar las listas de animales en peligro de extinción (Bloomberg).

Las abejas empiezan a encabezar las listas de animales en peligro de extinción (Bloomberg).

Según un informe de Greenpeace, aproximadamente del 60 al 90% de los alimentos que comemos necesita la ayuda de polinizadores, como las abejas, para reproducirse y, si las poblaciones de abejas disminuyen, la biodiversidad de la Tierra también disminuye, lo que puede afectar a otras especies y causar un efecto dominó en ese sentido.

Ante esta cadena de factores desfavorecedores, muchas ONG´s y grupos de activistas están pidiendo reformas y cambios en nuestra manera de cultivar con la esperanza de detener el rápido declive de las poblaciones de abejas; los principales factores que afectan el sustento de las abejas son los insecticidas, el cambio climático y la falta de flora.

Según un informe de Greenpeace, aproximadamente del 60 al 90% de los alimentos que comemos necesita la ayuda de polinizadores, como las abejas (REUTERS).

Según un informe de Greenpeace, aproximadamente del 60 al 90% de los alimentos que comemos necesita la ayuda de polinizadores, como las abejas (REUTERS).

El el Dr. McGavin cree que las soluciones pueden estar en pequeños actos diarios como evitar el uso de pesticidas en nuestros huertos o comprar alimentos orgánicos.

Nunca hay que subestimar a una especie por pequeña que sea, la labor que puede llevar a cabo puede ser de proporciones colosales y de repercusiones irreversibles. ¿Cuándo vamos a empezar a hacer caso a las señales?

Aire.

https://naturgreen.es/blog/Copiar enlace.

Irlanda plantará 440 millones de árboles para combatir el cambio climático

 

 

Cuestión de intereses…

https://www.lavozdegalicia.es/biodiversa/

https://www.lavozdegalicia.es/noticia/biodiversa/2019/11/14/80-flora-fauna-mar-menor-muerto/00031573723807894350947.htm?fbclid=IwAR2c5CslvwNH5q0qTApPIaNUWIJ7U5HV7_DT0LwhowKTzbkBq9m1_8YjVNE

LA VOZ
REDACCION 

 

Un informe del Instituto Español de Oceanografía (IEO) ha alertado de que la flora y la fauna del Mar Menor habría muerto masivamente en el 80 por ciento de la laguna salada, en área y en volumen, tras el episodio de fuertes lluvias provocadas por la Depresión Aislada en Niveles Altos (DANA) el pasado mes de septiembre.

Los investigadores del IEO alcanzan estas conclusiones tras constatar la muerte masiva de especies y poblaciones de los fondos de la laguna situados a una profundidad superior a los tres o cuatro metros, según la zona.

 

«A partir de los cuatro metros de profundidad se murió todo en el Mar Menor después de la DANA porque se quedó sin oxígeno», según fuentes del IEO consultadas por Europa Press, que explican que unas extensiones muy altas de las aguas profundas de la laguna se quedaron sin oxigeno. «No es algo local, registrado en Villananitos», afirman.

De hecho, el informe encargado por el Ministerio de Ciencia, Innovación y Universidades al IEO establece que la ‘Caulerpa prolifera’ estaba muerta o moribunda en la mayoría de las zonas; mientras que las holoturias estaban muertas y evisceradas.

 

En cambio, los científicos del IEO observaron todavía vivos y activos numerosos ejemplares de gasterópodos del género ‘Hexaplex’. «En un principio, los bivalvos parecían debilitados, pero en siguientes inmersiones todos aparecían muertos», remarca el informe.

Asimismo, destacan que los góvidos, que aparecían vivos en las primeras inmersiones, habían muerto en las últimas visitas, corriendo la misma suerte que las anémonas y poliquetos, que estaban aparentemente vivos al principio y se encontraron todos muertos a los pocos días.

INFORME SOBRE EL APORTE DE NUTRIENTES

Según fuentes del IEO consultadas por Europa Press, los efectos de la DANA no pueden ser explicados si no se tiene en cuenta todo el proceso de degradación que ha sufrido el Mar Menor a consecuencia de las entradas de nutrientes en la laguna durante décadas y la transformación que ha tenido toda la cuenca de drenaje que representa el Campo de Cartagena.

 

Así aparece reflejado en el Informe de síntesis sobre el estado actual del Mar Menor y sus causas en relación a los contenidos de nutrientes, que destaca que, durante décadas, los aportes de nutrientes (fundamentalmente nitratos, aunque también fosfato y amonio) y materia orgánica al Mar Menor han forzado el cambio del sistema, originalmente oligotrófico, a un estado eutrófico.

Este estado «define un enriquecimiento en nutrientes inorgánicos (nitrógeno y fósforo) más allá del nivel crítico de la capacidad autorreguladora de un sistema determinado».

En cuanto a las causas de la crisis del Mar Menor, este informe destaca que la laguna recibe desde la década de 1980 grandes cantidades de materia orgánica y nutrientes procedentes de vertidos de diversa naturaleza, entre los que se encuentran las aguas residuales urbanas (actualmente prácticamente suprimidas, salvo episodios de lluvias y vertidos puntuales) y, sobre todo, los flujos contaminantes tanto difusos como puntuales, procedentes de la actividad agraria y agropecuaria del Campo de Cartagena.

 

Tras la DANA del pasado mes de septiembre, el informe destaca que el agua arrastrada procedente de la lluvia se mezcló con la capa superficial de agua de la laguna y los niveles de clorofila aumentaron de forma muy brusca hasta niveles superiores a los máximos de 2016, lo que se ha atribuido a la entrada masiva de nitrógeno, fósforo y materia orgánica asociada a la entrada de agua, sedimentos terrígenos y materiales arrastrados procedentes del Campo de Cartagena.

La capa de agua profunda (caracterizada por las condiciones de salinidad y carga fitoplanctónica del agua de la laguna previo a la DANA) quedó aislada. La columna de agua se estratificó, formando una capa superficial menos salina, reduciendo la transferencia de oxígeno atmosférico hacia partes más profundas de la columna de agua.

 

En paralelo, la elevada turbidez del agua redujo drásticamente la luz que alcanzaba el fondo, impidiendo la producción de oxígeno por la actividad fotosintética de la vegetación bentónica. En la capa de agua profunda a partir de tres metros de profundidad, el oxígeno se agotó como consecuencia de la descomposición de la materia orgánica presente (tanto la ya existente como la introducida durante las riadas).

«El color negro del agua y olor a gas sulfhídrico que emanaba de la laguna, eran claros indicadores de la existencia de un fuerte metabolismo anaerobio sulfato-reductor en la capa profunda anóxica», según el informe, que destaca que «una de las consecuencias de este metabolismo es la aparición de sulfuros disueltos en el agua, que son tóxicos para muchos animales y plantas».

 

«La combinación de ausencia de oxígeno y presencia de sulfuros en la capa de agua profunda causó la muerte de la vida asociada al fondo lagunar y la huida masiva de organismos de todas las especies con capacidad de desplazamiento, hacia las zonas menos profundas de la laguna», subraya.

Este informe estimaba que una superficie superior a 9.000 hectáreas había quedado de nuevo devastada en el fondo de la laguna.

Os lo recomiendo. El fabricante de peluquines en huelga de hambre.

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El fabricante de peluquines en huelga de hambre

 

 

ARTE SOSTENIBLE.

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Marizilda Cruppe: vivir y morir por el bosque tropical

Marizilda Cruppe: vivir y morir por el bosque tropical

La fotoperiodista brasileña Marizilda Cruppe denuncia el genocidio realizado contra las mujeres activistas que defienden la selva amazónica en el norte de Brasil.

La selva tropical de la Amazonía es la más grande del mundo. Dos tercios están en territorio brasileño. En los últimos 40 años, casi una quinta parte fue destruida, gran parte de ella en Brasil para dejar espacio para la ganadería extensiva. Cada centímetro de terreno en el Amazonas es ferozmente disputado: los inversionistas, grandes terratenientes y el gobierno, quieren explotarlo comercialmente, mientras que los habitantes tradicionales dependen de la selva tropical para su subsistencia.

En los últimos tres años 92 ambientalistas fueron asesinados en Brasil; muchos más reciben amenazas de muerte regularmente.

Marizilda Cruppe
En la imagen: Marizilda Cruppe (To live and to die for the rainforest – Rosa Maria Viegas, Pará, Brasil)

Marizilda Cruppe documenta en su proyecto fotográfico “To live and to die for the forest” (vivir y morir por el bosque) una serie de mujeres que luchan por la preservación de la selva amazónica. Las mujeres en Brasil a menudo son las que más sufren los conflictos por la tierra, en un entorno social donde el estatus de las mujeres en la comunidad se socava sistemáticamente. Sin embargo, mujeres ambientalistas de grupos indígenas y comunidades fluviales luchan incansablemente por sus derechos. Con sus fotografías, Cruppe quiere dar voz a madres, trabajadoras, mujeres en la política comunal y activistas, y quiere documentar su lucha. Ella está planeando un proyecto multimedia que incluye fotografías, videos, grabaciones de sonido y textos entretejidos en una narrativa sobre la vida cotidiana de las mujeres que desafían la violencia y la agresión para preservar el mundo natural.⠀

Marizilda Cruppe
Marizilda Cruppe (To live and to die for the rainforest – Dilva Maria Araújo, Pará, Brasil

 

Marizilda Cruppe: vivir y morir por el bosque tropical

 

 

 

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  • Un hombre, un escritor. Antolín Pulido.

 

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https://antolin-pulido.webnode.es/

 

 

 

 

  • Tantas veces como ha sido y es posible…

Ernesto Capuani

Toledo (España)

Me gusta leer y el silencio de la música. Por este motivo me encanta tocar la guitara, escribir, pasear y, de vez en cuando, soñar otra realidad. Me fascina escribir para mostrar, 

Mundo libre

Abrir los ojos del pensamiento,

despertar la sensibilidad yerta

y volver a las cumbres de la oscuridad. ¿Filosofía?

Búho2

 

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Un estudio investigará cómo evolucionaron y desaparecieron especies de plantas tropicales

El trabajo científico lo llevará a cabo los próximos cuatro años una investigadora del Real Jardín Botánico (RJB-CSIC)

Redacción/. Durante su historia geológica, nuestro planeta ha experimentado eventos de cambio climático similares en escala y magnitud al cambio climático que está ocurriendo en la actualidad. Comprender como los seres vivos reaccionaron a estos eventos pasados es fundamental para poder predecir cómo responderán en el futuro.

Ahora, un estudio que llevará a cabo la investigadora del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC) en el Real Jardín Botánico (RJB) de Madrid Andrea Sánchez Meseguer estudiará la respuesta de las plantas al enfriamiento climático ocurrido hace millones de años. Según ha indicado la joven investigadora, “se pretende comprender como evolucionaron, y eventualmente desaparecieron, las especies de plantas tropicales que existían hace 50 millones de años en nuestras latitudes, en el hemisferio Norte, cuando el clima se volvió frío y estacional”.

Para abordar el estudio, que se llevará a cabo durante los próximos cuatro años, la investigadora Sánchez Meseguer trabajará junto a un equipo internacional de botánicos y paleontólogos, en el que figuran también las investigadoras del CSIC en el Real Jardín Botánico, Isabel Sanmartín y Ricarda Riina.

 

 

Blue Phoenix Translations

Traducción de Novelas Chinas, Coreanas y Japonesas.

ENLACE:

https://bluephoenix-translations.com/

La Bruja y la Calabaza de los Cuentos

 

 

 

Luces y sombras…,

07/11/2019

He acabado de leer este libro…, que, aunque algunos capítulos me hayan aburrido, siempre es bueno leer y despertar el sentido crítico.

CATHCART T., y KLEIN, D., Platón y un ornitorrinco entran en un bar…, Ed. Hurope, Barcelona, 2008.

Resultado de imagen de CATHCART T., y KLEIN, D., Platón y un ornitorrinco entran en un bar…, Ed. Hurope, Barcelona, 2008.

 

ENLACE:

https://ernestocapuani.wordpress.com/

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